shkatulka

Тонкости экспертизы изделий из фарфора: вопросы декора

Роспись или деколь?

 

С развитием промышленности на рубеже 19-20 веков производство фарфора тоже модернизируется. Как элемент красочного декора появляется деколь или специальные переводные картинки. Такая техника позволила тиражировать изделия.

Как же понять где шедевр ручной росписи, а где переводная картинка? Ведь именно предмет, расписанные художником вручную имеет более высокую, оправданную цену. Но при визуальном осмотре изделия учитывайте, что в середине XIX века была популярна техника точечной росписи.

Чтобы не ошибиться, посмотрите если декор выпуклый – это точно рисунок. Но, при декоре фарфора использовалась так же техника деколи с дорисовкой – не путайте её с полноценной ручной росписью.

Если сомневаетесь, сравните несколько одинаковых элементов декора. Если вещь тиражная, то элементы будут в точности повторяться или, например, имеют один и тот же угол наклона.

И лупа Вам в помощь! Вы увидите, что рисунок деколи состоит из мельчайших точечек. Если изделие не очень высокого качества, то рисунок будет похож на газетный. Если вещь более качественная, то все точечки будут составлять единый узор. Соответственно, цена такого предмета будет дороже.

И последний штрих в копилку отличительных особенностей деколи. Элементы переводной картинки тонкие и будут всегда бледнее в отличии от ярких красок ручной росписи. Яркости в деколь могут добавить элементы дорисовки кистью.

Булгари – империя роскоши



Для достижения успеха необходимо сочетать прошлое, настоящее и будущее. Это своего рода вызов, и в то же время открываются новые горизонты.
Никола Булгари

Созданный в риме в 1884 году как обычный ювелирный магазин, БРЕНД BVLGARI, заслужив мировое признание, с блеском занял свою позицию на рынке роскоши 

НЕ БЫЛО БЫ СЧАСТЬЯ

Могла ли знать семья Вульгарисов, что появившийся на свет в 1857 году маленький мальчик Сотириос станет основателем династии модного ювелирного дома с миллиардным состоянием?

Сотирио Георгис Булгари

Ведь началось всё с грустной истории…  В Греческом поселке в Эпирусе родители Сотириоса занимались обработкой серебра и держали небольшой магазинчик. Во время войн Османской империи поселок неоднократно подвергался нападениям турок.  Семья вынуждена была переехать на остров Корфу, потом в Неаполь, где продолжила свое дело, начав всё с нуля…

Одно из первых изделий из серебра Сотириоса Булгари, навеянное византийской и исламской культурой

Амбициозный Сотириос, еще совсем юный, решает получить мировое признание.  Он путешествует по миру в поисках лучшего места для развития семейного мастерства.

ВСЕ ДОРОГИ ВЕДУТ В РИМ

Рим – вечный город – становится родиной для первого магазина Сотириоса на виа Систина, 85. Второй был открыт в исторической части города на виа деи Кондотти, 28, где и существует до сих пор. На фасаде именно этого дома впервые появилось имя Bulgari, после изменения фамилиина итальянский манер. И именно здесь стали собираться знаковые люди эпохи dolce vita, что помогло бренду обрести популярность.

Элизабет Тейлор в украшениях Bvlgari, Париж 1967 год

Третий магазин Сотириос открыл уже вместе с сыновьями Константино и Джорджо на на виа деи Кондотти, 10, дав ему название Old Curiosity Shop («Лавка древностей»), чтобы привлечь путешествующую англо-саксонскую публику.


СЕКРЕТ УСПЕШНОГО БИЗНЕСА или
СМЕЛОСТЬ ГОРОДА БЕРЁТ

Амбиции молодого Сотириоса были удовлетворены: он с блеском продолжил дело своей семьи – ведь первая в Европе сеть бутиков была создана именно им. Бренд поднялся на первую ступень своего стремительного развития.

После кончины Сотириоса в 1932 году дело всей его жизни перешло в надёжные руки сыновей. В 1934 году братья Булгарисы решили оказать дань уважения принявшему их Риму и сделать акцент на географической принадлежности бизнеса, проведя реновацию названия бренда. Следуя правилам традиционного латинского алфавита, букву “U” в названии они заменили на “V”. Так появилось уникальное имя Bvlgari.

В конце 1940-х годов прогрессивные братья решили выйти из-под влияния Парижа на ювелирную моду. Константино и Джорджо придумали стильные часы-браслет в виде змеи, с изяществом обвивающей руку хозяйки, благодаря сложной технике tubogas. Так было положено начало новой коллекции Serpenti.

Браслет-часы Serpenti из платины и золота с бриллиантами Bvlgari, 1955

Следующая ступень развития бренда ознаменовалась полным отказом от существующих канонов ювелирного дела. В 1950—1960-е годы были распространены цветочные мотивы в ювелирных украшениях. И здесь креативные братья выделились из общей массы ювелиров, внедрив уникальную технику и выпустив новую коллекцию en tremblant. Благодаря пружинной оправе венчики цветов в их брошах трогательно подрагивали при движении.

Брошь en tremblant из платины и изумрудами и бриллиантами, 1960 год

В конце 50-х годов Bvlgari формирует свой неповторимый стиль. Сначала ювелиры отказываются от традиционного подбора камней для украшений и вместо их ценности выбирают цветовую палитру.

Еще одним шагом к эксклюзивности стиля стало использование камней огранки cabochon, которая в ювелирных кругах считалась простоватой для дорогих камней. Смелость и новаторство в использовании камней такой огранки в центре ювелирной композиции сразу поставило бренд на несколько шагов впереди других ювелирных марок.

Колье из золота с изумрудами, рубинами, сапфирами и бриллиантами, около 1960 года, частная коллекция

Так родились итальянская ювелирная школа и неповторимый стиль Bvlgari, навеянный греко-римским классицизмом, итальянским ренессансом и римской ювелирной школой XIX века.

ВПЕРЕДИ ПЛАНЕТЫ ВСЕЙ

Очарование и новизна изделий Bvlgari привлекли огромное число поклонников и позволило расширить географию ювелирного Дома. В 1970-х годах открылось более 250 его бутиков по всему миру.

В 1970-х годах Bvlgari возродил моду конца XIX века.  Дом стал использовать старинные монеты и драгоценные камни с резьбой, вставляя их в крупные золотые цепи. Такие украшения стали одной из визитных карточек бренда.

Золотой чокер с коринфскими бронзовыми монетами (350-306 гг. до н.э.), частная коллекция, 1974

Но уже знаменитый бренд не останавливается на достигнутом. Следующая ступень прогресса – производство мужских часов. Выпущенная в 1977 году модель Bvlgari∙Bvlgari почти сразу стала популярной. А в 1980 году бренд открыл в центре Швейцарии часовую компанию Bvlgari Time, приобретя фабрики по производству циферблатов Cadrans Design и браслетов Prestige d’Or.

Часы Bvlgari Bvlgari в корпусе из золота, 1977

В 80—90-е годы благодаря исключительному дизайну, Bvlgari окончательно утвердил свой стиль, обретя неповторимые черты. Бренд стал узнаваемым и причисленным к высокому ювелирному искусству. Желтое золото, яркие цвета камней, игра с объемами, чистые и четкие формы, стилизованные декоративные мотивы – вот краткий перечень приемов и материалов, придающих уникальность стилю Bvlgari.

Колье-чокер из золота с изумрудами и бриллиантами, 1989 год, коллекция Bvlgari

При создании необычных по цвету композиций дорогие камни сочетаются с дешёвыми.  Изделия становятся более универсальными и теперь используются для любого мероприятия независимо от времени суток.

Золотое ожерелье с изумрудом, аметистами, рубинами и бриллиантами, 1989 год

Высочайшей ступенью новаторства бренда в 1980 году стала оригинальная техника закрепки драгоценных камней. Ювелиры Bvlgari стали использовать шелковые нити разных цветов.

Стремления к новшеству у Bvlgari в XXI веке привели к кардинальным изменениям в дизайне украшений, проповедуя принцип простоты: двухмерность форм появилась вместо округлости и объёма, при этом сохранилась пластичность изделий.

Не игнорируя старинные ювелирные традиции, Bvlgari усовершенствовал индийскую технику огранки камней takhti, используя ее для своих украшений. По-новому преподнесенная ювелирами бренда, она обрела новую жизнь в игре драгоценных камней. 

ВVLGARI, ОБГОНЯЮЩИЙ ВРЕМЯ

Существуют всего лишь несколько великих ювелирных брендов, признанных во всем мире с богатой историей и виртуозно исполненными украшениями. Но особое место популярности в этом блестящем ряду занимает ювелирный дом Bvlgari.
В чем же секрет его исключительной популярности? В том, что он всегда был и остается на шаг впереди настоящего времени, еще со дня своего основания в Риме в 1884 году Сотириосом Булгарисом.
Сегодня, благодаря постоянному новаторству, Bvlgari –успешный ювелирно-часовой бренд, выпускающий так же парфюмерные ароматы, сумки, аксессуары, сувениры и посуду. Он владеет сетью собственных отелей и входит в состав крупнейшего концерна LVMH (Louis Vuitton Moët Hennessy). Бренд Bvlgari, за более чем вековую историю, стал целой империей, предлагающей на рынке роскоши всегда нечто новое.

Чокер Bulgari из коллекции Giardini Italiani, платина и бриллианты, из последних коллекций

 

Их Величество Фотограф

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Осенью 1839 г. император Николай I получил возможность ознакомиться с тремя снимками, направленными ему лично Луи Дагером, и самой камерой Дагера, приобретённой Министерством Императорского двора. Два снимка с изображением мастерской художника и дагеротип с видом Парижа, как и сам аппарат, были, после осмотра царственной особой, переданы в Академию художеств. Подарок одного из создателей фотографии российскому императору не выставлялся для публичного обозрения более 170 лет и лишь в декабре 2011 г. эти работы Дагера смогли увидеть посетители выставки «Эпоха дагеротипа. Ранняя фотография в России», проходившей в Государственном Эрмитаже.Фотография, с которой представители царской семьи познакомились уже на заре её появления, прочно вошла в повседневную жизнь двора. Роскошно оформленные тематические альбомы, выполненные в мастерских известнейших фотографов своего времени, стали желанным подарком для императора и его приближённых.

Так в 1853 г. один из первых московских фотографов Фридрих Мебиус преподнёс Николаю I фотографический альбом с видами Москвы, за что, в свою очередь, император пожаловал Мебиусу драгоценный перстень.

В 1840-е гг. появляются первые фотографические изображения членов российского императорского дома. Как свидетельствуют каталоги, в коллекции Государственного Эрмитажа хранятся дагеротипы с портретами Николая I и его дочери великой княгини Марии Николаевны. В 1860-е гг. фотографы становятся неизменными участниками важнейших мероприятий, связанных с царской семьёй, фиксируя для истории церемонии коронации, создавая парадные фотографические портреты императора и его близких.

Постепенно формировался круг избранных фотохудожников, приближенных ко двору и получивших исключительное право на фотографирование высокопоставленных особ.В период царствования Александра II наиболее известными придворными фотографами были К.И. Бергамаско, ставший в 1865 г. официальным фотографом великого князя Николая Николаевича, А.И. Деньер, выпустивший в 1865 г. получившую широкую популярность серию «Альбом фотографических портретов известных лиц в России», и С.Л. Левицкий, пользовавшийся особым покровительством императрицы Марии Александровны и получивший в 1877 г. звание «Придворного фотографа Их Императорских Величеств».После воцарения Александра III в 1881 г. звание «Двора Его Императорского Величества фотограф» получает И.Г. Дьяговченко, бывший с 1872 г. официальным фотографом наследника престола и снискавший расположение нового российского императора

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

В период царствования Николая II восходит звезда фотографа К.А. Ягельского, одного из совладельцев фотоателье «К.Е. фон Ган и Ко», получившего в 1911 г. звание «фотограф Его Величества». Ягельский сопровождал императора не только во время официальных церемоний, но и во время отдыха в кругу семьи. В 1914 – 1915 гг. фотограф посещал вместе с Николаем II действующую армию и выпустил собранные во время поездки материалы в специальном тематическом альбоме. Последние снимки императорской семьи, выполненные К.А. Ягельским, датируются второй половиной 1917 г., когда отрёкшийся от престола Николай II прибывал в ссылке в Тобольске.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Кроме профессиональных фотографов в окружении российских императоров с 1860-х гг. находились и фотографы-любители, запечатлевшие на снимках повседневную жизнь царской семьи, которая, зачастую, была сокрыта от титулованных фотохудожников. Граф И.Г. Ностиц, не расстававшийся с громоздкой фотокамерой в период своей военной службы, выполнивший в 1850-е гг. целую серию снимков с видами Кавказа, в 1863 г. в чине генерал-майора был назначен в свиту Александра II, получив возможность снимать императора и его приближённых.После выхода в отставку в конце 1870-х гг. фотографией увлёкся генерал А.А. Несветевич, который, в частности, сопровождал императора во время Саровских торжеств 1903 г. и подготовил альбом, посвящённый этому событию.

Фотографом-любителем, оставившим многочисленные фотографии, в которых отразилась повседневная жизнь царской семьи, был учитель великих княжон и цесаревича Алексея Пьер Жильяр, которому принадлежат и последние снимки Николая II и его близких, сделанные в Тобольске в 1918 г. Более 300 снимков Жильяра было представлено на выставке «Последние дни Романовых. Фотографии Пьера Жильяра», экспонировавшейся в различных городах России в 2006 – 2009 гг.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Широкому развитию любительской фотографии способствовали разработки фирмы «Kodak», чья продукция в конце XIX – начале XX в. пользовалась заслуженной популярностью в России, в том числе и среди членов императорской семьи. Под руководством К.А. Ягельского азы фотографического искусства постигали императрица Мария Фёдоровна, императрица Александра Фёдоровна и её дети. Первые снимки, выполненные Александрой Фёдоровной, относятся к середине 1896 г. – времени пребывая на отдыхе в подмосковном Ильинском после церемонии коронации. Об увлечении фотографией Марии Фёдоровны свидетельствует записи в её дневнике. Известно также, что собственные фотографические камеры имели все дочери Николая II и цесаревич Алексей, неоднократно на собственные средства приобретавший фотопринадлежности фирмы «Kodak»

Для членов императорской семьи недалеко от Александровского дворца в Царском Селе был оборудован фотографический павильон и фотолаборатория, в которой проявлялось для печати до двух тысяч фотопластинок в год.

Более того, сами камеры «Kodak» неоднократно попадали в объектив высокородных фотолюбителей, запечатлевших моменты отдыха царской семьи и её окружения. Сохранились снимки с фотокамерами Марии Фёдоровны, Александры Фёдоровны, великих княжон, офицеров свиты и фрейлин императрицы, что является ещё одним ярким подтверждением распространения увлечения фотосъёмкой в кругу близких Николаю II людей. Но каким было личное отношение к искусству фотографии последнего российского самодержца?

Известно, что Николай II был почитателем творчества выдающего российского фотохудожника С.М. Прокудина-Горского. В 1909 г. работы Прокудина-Горского были впервые представлены императору в Царском Селе. Заинтересовавшись цветными слайдами, выполненными фотографом, Николай II всячески способствует подготовке экспедиций Прокудина-Горского для съёмок «достопримечательностей нашего обширного отечества в натуральных цветах». В дальнейшем талантливый фотограф и изобретатель неоднократно посещал императора в Царском Селе и Ливадии, демонстрируя ему и членам царской семьи свои работы. В дневнике Николая II, в частности, отмечено: «Вечером смотрели интересные диапозитивы цвет. фотографии видов Алтайского округа». На рабочем столе императора в Ливадийском дворце находились выполненные Прокудиным-Горским диапозитивы, на одном из которых были запечатлены император и императрица, на другом – вся семья Николая II.

Составление альбомов и просмотр фотографий были одним из излюбленных увлечений Николая II. В его дневнике неоднократно встречаются записи схожие по содержанию: «Рассматривали фотографич. альбомы в моем новом кабинете», «После завтрака клеили с офицерами фотографии в альбомы…», «Вечером с помощью Мари наклеивал фотографии последних поездок в альбом»… Уже после отречения, в канун Пасхи 1917 г., Николай II отмечает в дневнике: «Одарили друг друга яичками и фотографиями». В альбомы бывший император помещал и фотографии, сделанные уже в период нахождения под арестом в Царском Селе и во время ссылки в Тобольске. Ко времени пребывания царской семьи в Тобольске относится запись в дневнике Николая II: «Целый день разбирал фотографии из плавания 1890/1891 г.».

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Несмотря на отсутствие прямых свидетельств того, что автором какого-либо из дошедших до нас снимков является сам Николай II, можно с высокой долей вероятности утверждать – император принимал личное участие уже в первых фотографических опытах своей супруги в 1896 г. и в дальнейшем неоднократно использовал фотокамеру, запечатлевая жизнь своей семьи. Подтверждением этому может служить фотография, на которой на прогулке в сопровождении Александры Фёдоровны изображён император с камерой «Kodak» в руках.Значительная часть фотографического наследия последнего русского императора и его окружения сохранилась и до наших дней.Впервые находящийся в фондах Государственного архива Российской Федерации массив фотографий, авторами которых являлись члены царской семьи и их приближённые,  был продемонстрирован в 1998 г. в московском Манеже

на выставке «Николай II. Семейный альбом». В экспозиции было представлено около 300 снимков из 22 фотоальбомов Романовых. Большинство фотографий, собственноручно вклеенных их авторами и героями в эти увесистые альбомы, лишены какой-либо художественной ценности, но, безусловно, могут рассматриваться как интереснейший исторический источник, ещё только ждущий своего увлечённого исследователя.

 

Сергей Чистяков,

кандидат исторических наук, культуролог, эксперт и аналитик антикварного рынка, аукционист

История российского фарфора

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]
интервью с Ниной Михайловной Астратенко (Рязановой)
Кузнецовский фарфор– общепринятое название российского фарфора, выпускавшегося фарфоровым заводом «Товарищества по производству фарфорово-фаянсовых изделий М.С.Кузнецова».Астратенко (в девичестве Рязанова) Нина Михайловна, по образованию инженер-технолог силикатной промышленности, закончила работу ведущим конструктором в электротермической области Минэлектротехпром «Электротерм», внучка Поцелуева Степана Тимофеевича – управляющего и акционера завода товарищества М.С. Кузнецова.

Нина Михайловна знает не понаслышке, о том, что происходило на гжельских фарфоровых фабриках, начиная с 18 века. Ее дед – Поцелуев Степан Тимофеевич был управляющим и акционером завода «Товарищества по производству фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в местечке Чудово Новгородской области, а отец Рязанов Михаил Михайлович занимал руководящую должность на заводе «Художественная керамика» в Гжели.

 

Нина Михайловна, расскажите, пожалуйста,что послужило толчком для возникновения заводов в Гжели?

– Фарфоровое дело как производство возникло в России благодаря великой княгине Елизавете Федоровне, которая пленившись привозными европейскими изделиями из фарфора, основала в 1744 году свой завод. А уже к началу 19 века производство русского фарфора стало развиваться в двух расходящихся направлениях: на Императорском фарфоровом заводе в городе Санкт-Петербурге с влиянием официального европейского вкуса и на, так называемых, Московских и Северных фарфоровых объединениях, малых мануфактурах. В Московской области – это были заводы Гжели, а затем появились объединения, вновь построенные Матвеем Сидоровичем Кузнецовым (бывшие заводы Храпуновых, Поповых, Тереховых, Федяшкиных, заводы в Дулево, Вербилках, Конаково). Северные заводы в Новгородской области: Чудово, Грузино, Кикерино и другие. Они основаны двоюродным братом Матвея Сидоровича Иваном Емельяновичем Кузнецовым, уехавшим в Новгородскую губернию после раздела наследства.

 

Бесспорно, что создателем отечественной фарфоровой индустрии считается Матвей Сидорович Кузнецов, предприниматель и меценат в культуре 19 – начала 20 веков. Расскажите о династии Кузнецовых. Кто был ее родоначальником?

Да, Вы правы. Действительно, основная заслуга в создании крупнейшей монополии «Товарищества по производству фарфорово-фаянсовых изделий М.С.Кузнецова» принадлежит Матвею Сидоровичу, человеку неординарному. Но основателем этой славной династии считается Яков Васильевич, простой кузнец, живший между деревнями Речицы и Новохаритоново в местечке Гжель. Кроме кузнечного ремесла, он занимался еще и гончарным делом. В 1810 году на заработанный от продажи изделий капитал семья решила построить завод для производства фарфоровых изделий, так как в округе были залежи белой глины. Завод заработал через 2 года, поэтому с 1812 года отсчитывается начало фарфоровой династии Кузнецовых.

 

Как развивалось фарфоровое производство на заводе Кузнецовых к середине 19 века?

После кончины Якова Васильевича, преемником отца стал старший сын – Терентий Яковлевич. Брат Анисим помогал ему. Маленький заводик скоро перестал справляться с объемами, и Терентий Яковлевич решил строить новый завод, но не в Гжели, а там где рабочая сила дешевле. Он покупает землю возле деревни Ликино в Дулево Орехово-Зуевского уезда Московской губернии. Завод заработал в 1832 году. В 1842 году Терентий Яковлевич вместе с сыновьями Сидором и Емельяном приобрел фабрику и землю близ Риги. Сидор Терентьевич возглавляет работы по реконструкции и расширению фабрики. Были созданы все условия для работы и проживания семей служащих. Из Гжели и Дулево были приглашены живописцы и мастера. С 1851 года завод начал выпуск фарфоровых изделий. В этом же году Терентий Яковлевич покупает еще один завод рядом с деревней Ликино-Дулево в селе Коротково. После смерти Терентия Яковлевича в 1853 году владельцами трех заводов остаются его брат Анисим и сыновья Сидор и Емельян. После раздела имущества Сидор Терентьевич решает лучших мастеров и художников перевести на заводы в Дулево и Ригу, а предприятие в селе Коротково закрыть или продать. Так, благодаря Сидору Терентьевичу, развитие фарфорового производства Кузнецовых перешло на новый этап. У Сидора Терентьевича было пятеро детей: дочери – Анастасия, Ирина, Мария, Пелагея и сын Матвей. В 1861 году пятнадцатилетним мальчиком Матвей отправляется на завод в Ригу осваивать дело его семьи, а с 1864 года по завещанию отца он становится единственным наследником заводов в Риге и Дулево.

 

С какого времени можно считать создание фарфоровой индустрии в России?

Можно выделить 3 периода в становлении и развитии кузнецовской фарфоровой индустрии в России. Первый период – формирование территории Российской империи – с 1867 по 1871 год, второй период – развития и совершенствования производства – с 1872 по 1892 год, и третий период – выход продукции на мировой рынок.

В 1867 году Матвей Сидорович Кузнецов вступает в права наследства. Он решает не только сохранить фамильное дело, но и развить его и создать фарфоровою индустрию Кузнецовых. Он улучшил техническую базу заводов, внедрил новые технологии. Через 2 года ему уже удалось превзойти достижения отца. Единственными конкурентами заводам Кузнецова в России были заводы Гарднераи Ауэрбаха. С 1870 года начинается новый период в деятельности М.С.Кузнецова, он покупает завод Ауэрбаха в селе Кузнецово (ныне Конаково) Тверской губернии. Там он наладил производство уникальных изделий из фаянса, майолики и фарфора – храмовых иконостасов, киотов, подсвечников и другой церковной утвари. Также началось производство малых скульптурных форм: статуэток, подсвечников, настенных панно. В 1880 году Матвей Сидоровичстроит завод на Украине в селе Буды, который работал уже с 1887 года. В 1889 году Матвей Сидорович создает «Товарищество по производству фаофорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» для удобства управления всеми заводами. В состав правления входят его сыновья, зять и все управляющие заводами. В 1892 году был основан второй завод на Украине – в г. Харькове, получивший название Славянский. В 1893 году Матвей Сидорович покупает завод Гарднеров в Вербилках, реконструирует его и совершенствует технологические процессы – успехи Гарднеров были приумножены. Таким образом, к концу 19 века Матвей Сидорович становится монополистом частного фарфора в России, а к началу 20 века он владел восемью фабриками в разных регионах России, на Украине и в Латвии.

 

Нина Михайловна, расскажите об истории возникновении фарфорового завода в местечке Чудово Новгородской губернии, где Ваш дед, Поцелуев Степан Тимофеевич, многие годы был управляющим и акционером.

Фабрика И.Е.Кузнецова в Чудово на Волхове была создана в 1898 году. Принадлежала она товариществу купца I гильдии Ивану Емельяновичу Кузнецову, сыну Емельяна Терентьевича и двоюродному брату Матвея Сидоровича. Заводы, основанные И.Е. Кузнецовым, снабжали своей продукцией население Псковской, Новгородской, С.-Петербургской губерний и районов Прибалтики.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

В 90-х годах эти заводы вошли в Товарищество братьев Кузнецовых, и работали вплоть до 1941 года. К 1900 году Волховские (северные заводы) стали центром технической и интеллектуальной культуры тех губерний. Были построены школы, церковь, создавались условия для отдыха рабочих. На заводах северных территорий внедрялись новые технологии производства фарфора, фаянса и майолики. Появлялись новые материалы: глазури, краски, методы росписи и виды рисунков. Перенимался опыт заводов Германии и Императорского завода. В конце 19 начале 20 века на заводах работали и консультировали художники, такие как С.В. Чехонин. Было поставлено не только классическое образование работников предприятий, но и приглашались специалисты по технологическим процессам производства фарфора и фаянса. С конца XIX века завод стал специализироваться на производстве дорогого фарфора. Хотя в целом кузнецовский фарфор не относился к разряду элитарных, и был доступен горожанам со средним достатком. Завод И.Е.Кузнецова имел собственные склады и магазины в Москве и Петербурге. Ежегодно за пределы Новгородской губернии вывозилось по железной дороге и водным путем до 450 пудов изделий. Торговля велась на Боровической, Вологодской, Астраханской, Ирбитской, Московской, Нижегородской, Казанской, Мензелинской, Омской, Островской, Псковской, Рижской, Ржевской, Самарской, Санкт-Петербургской, Уфимской, Юрьевской и Ярославской ярмарках.

На заводах сформировался центр технической и интеллектуальной интеллигенции, который продолжал успешно работать и в 20-е и в 30-е годы 22 века. Так среди работников фабрик в Чудово и Грузино вырос и, впоследствии, стал управляющим этих фабрик С.Т. Поцелуев, мой дед, уехавший из Гжели 12-летним мальчиком вместе с И.Е. Кузнецовым.

В 1918 году фабрики были национализированы и стали именоваться: «Коминтерн» и «Красный фарфорист», а поселок был переименован в Краснофарфоровый с присвоением ему в 1938 году официального статуса рабочего поселка.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Уже после 20-х годов 20 века большие отраслевые объединения, заменившие собой фарфоровые монополии братьев М.С. Кузнецова и И.Е. Кузнецова, позволили провести сначала предварительную, а затем и более полную специализацию заводов и фабрик по выпуску фарфора, фаянса и майолики в России.Различного назначения посуда, производимая там, была качественна, недорога, популярна и широко расходилась в бывшем СССР.

Нина Михайловна, большое спасибо за интервью. Что Вы хотите пожелать нашим читателям?

 

Спасибо Вам, за то, что Вы предоставили мне возможность поделиться с читателями той информацией о гжельских заводах и заводах «Товарищества Кузнецова», которую я получила в свое время от моих дорогих родителей. В нашей семье всегда бережно хранилась память о наших предках, фотографии и документы тех лет. Вплоть до 80-х годов прошлого столетия, я оставалась владелицей небольшой бабушкиной усадьбы в селе Новохаритоново, где прошли все мои детские годы, среди предметов старины, фотографий и бабушкиных воспоминаний. К сожалению, из-за невозможности содержать усадьбу, с ней пришлось расстаться. Но остались родственники и друзья и в Гжели, и в Чудово и в Риге и осталась, конечно же, самое дорогое – наша память…

Желаю Вашей Школе процветания, творческих успехов в Вашем благом деле
приобщения людей к культуре и искусству!

 

Интервью подготовлено директором

Школы Антикварного Дела Трушиной Г.В.

Юрий Васильевич Васильев-MON (1925-1990 гг.)

Живописец, график, скульптор, художник книги, театральный художник, реставратор.
Родился 7 апреля 1925. Учился (с перерывом) в Московском художественном училище памяти 1905 года. В 1940–1942 у А.Н. Чиркова, а в 1945–1947 — на театральном факультете у В. Шестакова. В 1942 поступил в военное Иркутское авиационное училище, которое закончил через год в звании сержанта; в 1943–1945 служил в 12 Гвардейском авиаполку авиамехаником, был легко ранен. В 1947 поступил в Московский институт прикладного и декоративного искусства (МИПИДИ), после закрытия которого в 1948 перешел в Московский художественный институт им. Сурикова на живописный факультет. Окончил институт в 1953; дипломная работа «Возвращение из лагеря» экспонировалась на выставке дипломных работ в Академии Художеств. В 1954 принят в Московский Союз художников. Работал в плакатной группе.
В 1954–1956 был членом комиссии по материалам в президиуме Худфонда СССР и председателем комиссии МОХФА по художественным материалам. В 1956 Васильев организовал первую в России выставку японской цветной гравюры в залах МОСХа.
В 1990 году  последние работы Васильева —маленькая скульптурка «В покое» (мрамор) и два рисунка: «Глаз» (синий фломастер) и «Автопортрет» (синий фломастер). Умер 29 октября 1990 в московской больнице.
Выставки:
1948 – Выставка учебных дипломных работ студентов в Академии Художеств СССР.
1950 – Отчетная выставка студентов во Владимире.
1953 – Выставка Дипломных работ в Академии Художеств СССР. Выставка молодых художников в ЦДРИ.
1954 – Первая выставка молодых художников.
1955 – Вторая выставка молодых художников.
1956 -Третья выставка молодых художников.
1957 -Четвертая выставка молодых художников.
Всесоюзная выставка, посвященная 40-летию Октября.
Выставка московских художников в Манеже «Советская Россия».
Выставка произведений молодых художников к VI Всемирному фестивалю молодежи и студентов в Москве (награждендипломом).
Международная выставка «Миру — мир» (Лейпциг, ГДР).
Пятая молодежная выставка в Москве.
1959 – Международная выставка «Планета» (Брно, Чехословакия), выставка графических произведений Ю. В. Васильева в ЧССР (галерея Dum umeni, Брно).
Выставка «Советская Россия» в Манеже.
1960 – Выставка «15 лет победы над Германией».
Третья выставка эстампа.
Международная выставка «За мир» в Москве.
Выставка «Советская графика» в США и Канаде.
1961 – Выставка московских художников, посвященная XXII съезду КПСС.
Выставка «За мир и разоружение» в Академии Художеств СССР.
1962 – Однодневная выставка «Графика Юрия Васильевича Васильева» в малом зале ЦДРИ.
Выставка «30 лет МОСХа».
1965 – Однодневная выставка в Центральном Доме литераторов.
1966 – Выставка «25 лет со дня разгрома немцев под Москвой». Манеж.
1967 – Выставка на международном симпозиуме скульптуры по камню (Горжицы, Чехословакия).
Выставка «Советский спорт» во Дворце спорта.
1978 – Персональная выставка в Иокогаме (Япония).
1979 – Выставка в Париже «Год скульптуры». Участие в международном симпозиуме скульптуры в г. Вудрой (Франция).
1980 – Международная выставка «Скульптура под открытым небом» в Иокогаме (Япония).
1981 – Выставка костюмов и театральных эскизов к спектаклю «Чайка» А. П. Чехова в театре «Традиционный» в Токио (Япония).
1984 –1987 –  Отчетные двухдневные выставки художников, живущих в дачном кооперативе «Советский художник» в поселке Пески.
1988 – Выставка в Доме Художника «50 лет Пескам», посвященная творчеству трех поколений художников, живших в дачном кооперативе «Советский художник» в поселке Пески под Коломной.
1991 – Выставка «“Другое искусство” Москва. 1956–76» (ГТГ, Москва).
Всесоюзная выставка в Манеже «Советская Россия».

История русского искусства. ХVIII век

Головина Л.В.
Парсуна и ее влияние на развитие портретной живописи.
Парсуна (от слова «персона»  –  личность)  –  явление  конца ХVII – начала  XVIII в. Ее основные признаки и типологические разновидности. Акцент на социальную значимость изображенного, автономный характер образа, специфическое решение проблемы «индивидуальное – типическое», «духовное –  декоративное».
Самые ранние парсуны ХVI-XVII веков писались не с натуры, а с умерших( по памяти), являя собой по сути «живописный памятник. Такова парсуна князя М.В. Скопина- Шуйского (около 1630), созданная царскими изографами для его надгробия в Архангельском соборе Московского Кремля.
«Парсуна  – это жизнь памяти, память о тех, кто когда-то жил, свидетельство прошедших времен, проповедь добродетели выражение могущества, оживление умерших, хвалы и славы бессмертие, возбуждение живых к подражанию, напоминание о прошедших подвигах», – писал Симон Ушаков.
Парсуны конца ХVII – начала XVIII века писались уже с натуры, как например «Портрет Анастасии Яковлевны Нарышкиной с детьми Александрой и Татьяной». О знатном происхождении модели свидетельствует пышный наряд, торжественная поза, дидактическая интонация композиции. Сильна иконная традиция, выраженная в величавом спокойствии и торжественной неподвижности персонажей, тяготении к воплощению вечного, неизменного.
 
Особенности восприятия образа человека, заявленные парсуной  перешли, в портрет, получивший распространение чуть позже.
И.Н. Никитин (около1680-1742) – сын священника, служившего в церкви села Измайлова. Один из «птенцов гнезда Петрова». В его творчестве, несмотря на отголоски парсунной традиции, очевидны новые технические  и  художественные приемы («Портрет царевны Натальи Алексеевны» (1673-1716)). С 1716 по 1720-е Никитин учился в Италии. По возвращению из Европы, художник  пишет портрет канцлера Гавриила Ивановича Головкина (1660-1734), демонстрируя уже более свободную манеру владения кистью. Лицо канцлера вылеплено при помощи светотени, колорит не пестрый локальный, как прежде, но тональный. При этом художник создал образ человека-гражданина,  умного, инициативного, т. е. утвердил  идеал личности полезной отечеству, востребованный эпохой. В изображение канцлера большое внимание уделено изображению регалий: Андреевской ленте, голубому банту ордена Белого Орла и пр. Все вещно-осязаемо, написано широко и уверенно. Главное внимание обращено к лицу. Внимательный взор, усталость немолодого человека, искушенного в дворцовых интригах, сочетаются с внутренним напряжением, душевной сосредоточенностью, почти меланхолией. Творчество художника  –  значимый этап в приобщении русского искусства к европейской традиции светской живописи.
 
Художник Андрей Матвеевич Матвеев (1702-1739). Обучался в Голландии. Освоил мифологические сюжеты, один из первых русских художников начал осваивать изображение обнаженной натуры. Ввел впервые тип портрета-картины. В автопортрете с женой 1729 года отразил новую культуру взаимоотношений людей. Композиция портрета проста, но продумана. Фигуры расположены по центру холста. Художник словно выводит жену вперед и поворачивает ее к зрителю, сам, отступая на дальний план. Это круговое движение как бы прерывается, жестом правой руки женщины, поднятой к груди. Эта пауза заставляет сосредоточиться на лице Ирины Степановны. Это построение портрета демонстрирует новую систему взаимоотношений людей, близкую европейской. Так обмирщение, которого Петр I добивался во всех сферах жизни, произошло в русском искусстве  благодаря усилиям Никитина и Матвеева.