Их Величество Фотограф

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Осенью 1839 г. император Николай I получил возможность ознакомиться с тремя снимками, направленными ему лично Луи Дагером, и самой камерой Дагера, приобретённой Министерством Императорского двора. Два снимка с изображением мастерской художника и дагеротип с видом Парижа, как и сам аппарат, были, после осмотра царственной особой, переданы в Академию художеств. Подарок одного из создателей фотографии российскому императору не выставлялся для публичного обозрения более 170 лет и лишь в декабре 2011 г. эти работы Дагера смогли увидеть посетители выставки «Эпоха дагеротипа. Ранняя фотография в России», проходившей в Государственном Эрмитаже.Фотография, с которой представители царской семьи познакомились уже на заре её появления, прочно вошла в повседневную жизнь двора. Роскошно оформленные тематические альбомы, выполненные в мастерских известнейших фотографов своего времени, стали желанным подарком для императора и его приближённых.

Так в 1853 г. один из первых московских фотографов Фридрих Мебиус преподнёс Николаю I фотографический альбом с видами Москвы, за что, в свою очередь, император пожаловал Мебиусу драгоценный перстень.

В 1840-е гг. появляются первые фотографические изображения членов российского императорского дома. Как свидетельствуют каталоги, в коллекции Государственного Эрмитажа хранятся дагеротипы с портретами Николая I и его дочери великой княгини Марии Николаевны. В 1860-е гг. фотографы становятся неизменными участниками важнейших мероприятий, связанных с царской семьёй, фиксируя для истории церемонии коронации, создавая парадные фотографические портреты императора и его близких.

Постепенно формировался круг избранных фотохудожников, приближенных ко двору и получивших исключительное право на фотографирование высокопоставленных особ.В период царствования Александра II наиболее известными придворными фотографами были К.И. Бергамаско, ставший в 1865 г. официальным фотографом великого князя Николая Николаевича, А.И. Деньер, выпустивший в 1865 г. получившую широкую популярность серию «Альбом фотографических портретов известных лиц в России», и С.Л. Левицкий, пользовавшийся особым покровительством императрицы Марии Александровны и получивший в 1877 г. звание «Придворного фотографа Их Императорских Величеств».После воцарения Александра III в 1881 г. звание «Двора Его Императорского Величества фотограф» получает И.Г. Дьяговченко, бывший с 1872 г. официальным фотографом наследника престола и снискавший расположение нового российского императора

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

В период царствования Николая II восходит звезда фотографа К.А. Ягельского, одного из совладельцев фотоателье «К.Е. фон Ган и Ко», получившего в 1911 г. звание «фотограф Его Величества». Ягельский сопровождал императора не только во время официальных церемоний, но и во время отдыха в кругу семьи. В 1914 – 1915 гг. фотограф посещал вместе с Николаем II действующую армию и выпустил собранные во время поездки материалы в специальном тематическом альбоме. Последние снимки императорской семьи, выполненные К.А. Ягельским, датируются второй половиной 1917 г., когда отрёкшийся от престола Николай II прибывал в ссылке в Тобольске.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Кроме профессиональных фотографов в окружении российских императоров с 1860-х гг. находились и фотографы-любители, запечатлевшие на снимках повседневную жизнь царской семьи, которая, зачастую, была сокрыта от титулованных фотохудожников. Граф И.Г. Ностиц, не расстававшийся с громоздкой фотокамерой в период своей военной службы, выполнивший в 1850-е гг. целую серию снимков с видами Кавказа, в 1863 г. в чине генерал-майора был назначен в свиту Александра II, получив возможность снимать императора и его приближённых.После выхода в отставку в конце 1870-х гг. фотографией увлёкся генерал А.А. Несветевич, который, в частности, сопровождал императора во время Саровских торжеств 1903 г. и подготовил альбом, посвящённый этому событию.

Фотографом-любителем, оставившим многочисленные фотографии, в которых отразилась повседневная жизнь царской семьи, был учитель великих княжон и цесаревича Алексея Пьер Жильяр, которому принадлежат и последние снимки Николая II и его близких, сделанные в Тобольске в 1918 г. Более 300 снимков Жильяра было представлено на выставке «Последние дни Романовых. Фотографии Пьера Жильяра», экспонировавшейся в различных городах России в 2006 – 2009 гг.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Широкому развитию любительской фотографии способствовали разработки фирмы «Kodak», чья продукция в конце XIX – начале XX в. пользовалась заслуженной популярностью в России, в том числе и среди членов императорской семьи. Под руководством К.А. Ягельского азы фотографического искусства постигали императрица Мария Фёдоровна, императрица Александра Фёдоровна и её дети. Первые снимки, выполненные Александрой Фёдоровной, относятся к середине 1896 г. – времени пребывая на отдыхе в подмосковном Ильинском после церемонии коронации. Об увлечении фотографией Марии Фёдоровны свидетельствует записи в её дневнике. Известно также, что собственные фотографические камеры имели все дочери Николая II и цесаревич Алексей, неоднократно на собственные средства приобретавший фотопринадлежности фирмы «Kodak»

Для членов императорской семьи недалеко от Александровского дворца в Царском Селе был оборудован фотографический павильон и фотолаборатория, в которой проявлялось для печати до двух тысяч фотопластинок в год.

Более того, сами камеры «Kodak» неоднократно попадали в объектив высокородных фотолюбителей, запечатлевших моменты отдыха царской семьи и её окружения. Сохранились снимки с фотокамерами Марии Фёдоровны, Александры Фёдоровны, великих княжон, офицеров свиты и фрейлин императрицы, что является ещё одним ярким подтверждением распространения увлечения фотосъёмкой в кругу близких Николаю II людей. Но каким было личное отношение к искусству фотографии последнего российского самодержца?

Известно, что Николай II был почитателем творчества выдающего российского фотохудожника С.М. Прокудина-Горского. В 1909 г. работы Прокудина-Горского были впервые представлены императору в Царском Селе. Заинтересовавшись цветными слайдами, выполненными фотографом, Николай II всячески способствует подготовке экспедиций Прокудина-Горского для съёмок «достопримечательностей нашего обширного отечества в натуральных цветах». В дальнейшем талантливый фотограф и изобретатель неоднократно посещал императора в Царском Селе и Ливадии, демонстрируя ему и членам царской семьи свои работы. В дневнике Николая II, в частности, отмечено: «Вечером смотрели интересные диапозитивы цвет. фотографии видов Алтайского округа». На рабочем столе императора в Ливадийском дворце находились выполненные Прокудиным-Горским диапозитивы, на одном из которых были запечатлены император и императрица, на другом – вся семья Николая II.

Составление альбомов и просмотр фотографий были одним из излюбленных увлечений Николая II. В его дневнике неоднократно встречаются записи схожие по содержанию: «Рассматривали фотографич. альбомы в моем новом кабинете», «После завтрака клеили с офицерами фотографии в альбомы…», «Вечером с помощью Мари наклеивал фотографии последних поездок в альбом»… Уже после отречения, в канун Пасхи 1917 г., Николай II отмечает в дневнике: «Одарили друг друга яичками и фотографиями». В альбомы бывший император помещал и фотографии, сделанные уже в период нахождения под арестом в Царском Селе и во время ссылки в Тобольске. Ко времени пребывания царской семьи в Тобольске относится запись в дневнике Николая II: «Целый день разбирал фотографии из плавания 1890/1891 г.».

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Несмотря на отсутствие прямых свидетельств того, что автором какого-либо из дошедших до нас снимков является сам Николай II, можно с высокой долей вероятности утверждать – император принимал личное участие уже в первых фотографических опытах своей супруги в 1896 г. и в дальнейшем неоднократно использовал фотокамеру, запечатлевая жизнь своей семьи. Подтверждением этому может служить фотография, на которой на прогулке в сопровождении Александры Фёдоровны изображён император с камерой «Kodak» в руках.Значительная часть фотографического наследия последнего русского императора и его окружения сохранилась и до наших дней.Впервые находящийся в фондах Государственного архива Российской Федерации массив фотографий, авторами которых являлись члены царской семьи и их приближённые,  был продемонстрирован в 1998 г. в московском Манеже

на выставке «Николай II. Семейный альбом». В экспозиции было представлено около 300 снимков из 22 фотоальбомов Романовых. Большинство фотографий, собственноручно вклеенных их авторами и героями в эти увесистые альбомы, лишены какой-либо художественной ценности, но, безусловно, могут рассматриваться как интереснейший исторический источник, ещё только ждущий своего увлечённого исследователя.

 

Сергей Чистяков,

кандидат исторических наук, культуролог, эксперт и аналитик антикварного рынка, аукционист

Дмитрий Самодранов – Левитан наших дней?

«Продолжение лучших традиций русской живописи», «что-то русское, грустное и ускользающее», «щемящее сердце», «теплое», «спокойное и тихое», – такими эпитетами в сети награждают люди картины Дмитрия Самодранова, современного художника, работающего в жанрах пейзажа, портрета и сюжетных композиций.

Краткая автобиографическая справка

Дмитрий Вячеславович Самодранов родился 19 марта 1967 года в г. Брянск. В 1986 г. окончил Брянское художественное училище, в 1995 г. – художественно-графический факультет Московского педагогического государственного университета (им. Ленина). В 2000 г. защитил диссертацию на кафедре рисунка и получил степень кандидата педагогических наук.

 

  • Член Московского союза художников.
  • Академик Международной академии творчества.
  • Член Международного художественного фонда.
  • Доцент Московской открытой социальной академии, преподает дисциплины «Рисунок» и «Композиция».
  • Постоянный участник выставок художников объединения «Москворечье».
[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

2000 г. – выставка художников объединения «Москворечье» на Кузнецком мосту.

2003 г. – выставка художников объединения «Москворечье» «На Родной земле», проходившая в залах Академии художеств на Кропоткинской.

С 2004 г. регулярно участвует на ежегодных выставках-конкурсах имени Виктора Попкова.

С 2005 г. регулярно участвует на ежегодных выставках-конкурсах «Золотая кисть».

2004 г. – лауреат конкурса имени Виктора Попкова (1-ое место в номинации «Пейзаж»).

2005 г. – призер выставки-конкурса «Золотая кисть» (номинация «Пейзаж»).

С 2005 г. постоянный участник ежегодных выставок художников объединения «Вера и надежда» (проходит в Новом Манеже).

Персональные выставки в Газпроме (2000 г., 2004 г., 2008 г.).

Персональная выставка в Международном художественном фонде (2005 г.).

Выставки в Доме правительства (2009 г., 2010 г.).

Персональная выставка в выставочном зале «Богородское» (2010 г.).

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

2010 г. – посвященная году Франции в России выставка, проходившая в Доме правительства РФ.

Май 2010 г. – выставка Московского союза художников, посвященная 65-летию победы (на Кузнецком мосту).

Не так давно Школа Антикварного Дела получила эксклюзивное право продажи части работ Дмитрия. Мы встретились с ним в офисе Школы, и за чашкой чая как-то само собой родилось вот такое небольшое интервью.

– Дмитрий Вячеславович, когда Вы впервые почувствовали себя художником? Когда всерьез увлеклись живописью?

– В детстве я часто бывал с отцом в мастерской у его друзей-художников. Там-то и почувствовал влечение к живописи и уже в 14 лет стал всерьез заниматься ею. Я всем занимаюсь очень серьезно, и живопись не стала исключением…

– Необычный вопрос: а зачем Вы рисуете? Просто для души? Или Вы хотите, чтобы Ваши работы видели люди, восхищались, переживали?

– В первую очередь рисую для себя, как и большинство серьезных художников.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]
 
– Какую тематику в живописи Вы можете назвать любимой?
 
– Люблю пейзаж.
– Как Вы ищете сюжеты для своих картин?
 
– Я их не ищу, они сами находятся.

 В сети Ваши картины часто сопоставляют с работами Левитана, в частности, за тот особый «русский дух», передающий атмосферу любимого с детства русскими людьми мира глухой деревеньки… Что Вы думаете по поводу такого сравнения?

– Абсолютно согласен с людьми, которые считают, что моя живопись такая же русская, как и у Левитана.

– Кого из русских и зарубежных художников Вы можете назвать своими учителями? Кого цените из нынешних художников?

 

– Один из первых учителей – выпускник Академии художеств В.В. Воробьёв, который учился у известного советского художника С.В. Герасимова. А также мой дядя В.В. Крюковский – заслуженный художник России и талантливый мастер пейзажа. Я всегда ориентировался на таких художников как И.И. Левитан, И.Е. Репин, В.И. Суриков, Ф.А. Васильев, В.Д. Поленов, И.К. Айвазовский, К.А. Коровин, В.А. Серов и на многих других. Из западных: Рембрандт, Виронезе, Рибера, Веласкес, Караваджо, Ван Дейк, Рубенс. Французские импрессионисты: Мане, Моне, Писарро и многие другие. Из нынешних ценю многих, но имена называть не буду, т.к. их много и боюсь кого-нибудь нечаянно забыть.

– Какую из своих работ Вы считаете удачнее остальных? И вообще, каково отношение к своим работам? – У меня много удачных работ, самые любимые: «Весна», которая завоевала 1-ое место на конкурсе имени Виктора Попкова (в номинации «Пейзаж»), «Закат на реке», «Березовая роща».

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

– Недавно президент Д. Медведев подарил Вашу картину «Новодевичий монастырь» президенту Абхазии Александру Анквабу. Изменило ли это событие что-то в Вашей жизни?

– Нет, ничего не поменялось.

– Где Вы черпаете вдохновение? Чем увлекаетесь помимо рисования? Какие книги читаете?

 

– Вдохновение черпаю в окружающей меня природе. Люблю хорошую джазовую музыку. Что касается книг, предпочитаю перечитывать русскую классику: Достоевского, Чехова, Гоголя.

– Какие советы и наставления Вы можете дать новичкам, желающим научиться рисовать?

– Работать, работать и работать! Писать с натуры, внимательно наблюдать за природой, за тем, что изображаешь.

– Дмитрий Вячеславович, спасибо Вам за интервью! Желаем Вам новых сюжетов и много-много вдохновения!

– Большое спасибо!

Большая часть работ Д.В. Самодранова находится в частных коллекциях мира. В сети, в виртуальных галереях, можно найти фотографии некоторых его картин

Ольга Гопкало,

методист Школы Антикварного Дела

История российского фарфора

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]
интервью с Ниной Михайловной Астратенко (Рязановой)
Кузнецовский фарфор– общепринятое название российского фарфора, выпускавшегося фарфоровым заводом «Товарищества по производству фарфорово-фаянсовых изделий М.С.Кузнецова».Астратенко (в девичестве Рязанова) Нина Михайловна, по образованию инженер-технолог силикатной промышленности, закончила работу ведущим конструктором в электротермической области Минэлектротехпром «Электротерм», внучка Поцелуева Степана Тимофеевича – управляющего и акционера завода товарищества М.С. Кузнецова.

Нина Михайловна знает не понаслышке, о том, что происходило на гжельских фарфоровых фабриках, начиная с 18 века. Ее дед – Поцелуев Степан Тимофеевич был управляющим и акционером завода «Товарищества по производству фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в местечке Чудово Новгородской области, а отец Рязанов Михаил Михайлович занимал руководящую должность на заводе «Художественная керамика» в Гжели.

 

Нина Михайловна, расскажите, пожалуйста,что послужило толчком для возникновения заводов в Гжели?

– Фарфоровое дело как производство возникло в России благодаря великой княгине Елизавете Федоровне, которая пленившись привозными европейскими изделиями из фарфора, основала в 1744 году свой завод. А уже к началу 19 века производство русского фарфора стало развиваться в двух расходящихся направлениях: на Императорском фарфоровом заводе в городе Санкт-Петербурге с влиянием официального европейского вкуса и на, так называемых, Московских и Северных фарфоровых объединениях, малых мануфактурах. В Московской области – это были заводы Гжели, а затем появились объединения, вновь построенные Матвеем Сидоровичем Кузнецовым (бывшие заводы Храпуновых, Поповых, Тереховых, Федяшкиных, заводы в Дулево, Вербилках, Конаково). Северные заводы в Новгородской области: Чудово, Грузино, Кикерино и другие. Они основаны двоюродным братом Матвея Сидоровича Иваном Емельяновичем Кузнецовым, уехавшим в Новгородскую губернию после раздела наследства.

 

Бесспорно, что создателем отечественной фарфоровой индустрии считается Матвей Сидорович Кузнецов, предприниматель и меценат в культуре 19 – начала 20 веков. Расскажите о династии Кузнецовых. Кто был ее родоначальником?

Да, Вы правы. Действительно, основная заслуга в создании крупнейшей монополии «Товарищества по производству фарфорово-фаянсовых изделий М.С.Кузнецова» принадлежит Матвею Сидоровичу, человеку неординарному. Но основателем этой славной династии считается Яков Васильевич, простой кузнец, живший между деревнями Речицы и Новохаритоново в местечке Гжель. Кроме кузнечного ремесла, он занимался еще и гончарным делом. В 1810 году на заработанный от продажи изделий капитал семья решила построить завод для производства фарфоровых изделий, так как в округе были залежи белой глины. Завод заработал через 2 года, поэтому с 1812 года отсчитывается начало фарфоровой династии Кузнецовых.

 

Как развивалось фарфоровое производство на заводе Кузнецовых к середине 19 века?

После кончины Якова Васильевича, преемником отца стал старший сын – Терентий Яковлевич. Брат Анисим помогал ему. Маленький заводик скоро перестал справляться с объемами, и Терентий Яковлевич решил строить новый завод, но не в Гжели, а там где рабочая сила дешевле. Он покупает землю возле деревни Ликино в Дулево Орехово-Зуевского уезда Московской губернии. Завод заработал в 1832 году. В 1842 году Терентий Яковлевич вместе с сыновьями Сидором и Емельяном приобрел фабрику и землю близ Риги. Сидор Терентьевич возглавляет работы по реконструкции и расширению фабрики. Были созданы все условия для работы и проживания семей служащих. Из Гжели и Дулево были приглашены живописцы и мастера. С 1851 года завод начал выпуск фарфоровых изделий. В этом же году Терентий Яковлевич покупает еще один завод рядом с деревней Ликино-Дулево в селе Коротково. После смерти Терентия Яковлевича в 1853 году владельцами трех заводов остаются его брат Анисим и сыновья Сидор и Емельян. После раздела имущества Сидор Терентьевич решает лучших мастеров и художников перевести на заводы в Дулево и Ригу, а предприятие в селе Коротково закрыть или продать. Так, благодаря Сидору Терентьевичу, развитие фарфорового производства Кузнецовых перешло на новый этап. У Сидора Терентьевича было пятеро детей: дочери – Анастасия, Ирина, Мария, Пелагея и сын Матвей. В 1861 году пятнадцатилетним мальчиком Матвей отправляется на завод в Ригу осваивать дело его семьи, а с 1864 года по завещанию отца он становится единственным наследником заводов в Риге и Дулево.

 

С какого времени можно считать создание фарфоровой индустрии в России?

Можно выделить 3 периода в становлении и развитии кузнецовской фарфоровой индустрии в России. Первый период – формирование территории Российской империи – с 1867 по 1871 год, второй период – развития и совершенствования производства – с 1872 по 1892 год, и третий период – выход продукции на мировой рынок.

В 1867 году Матвей Сидорович Кузнецов вступает в права наследства. Он решает не только сохранить фамильное дело, но и развить его и создать фарфоровою индустрию Кузнецовых. Он улучшил техническую базу заводов, внедрил новые технологии. Через 2 года ему уже удалось превзойти достижения отца. Единственными конкурентами заводам Кузнецова в России были заводы Гарднераи Ауэрбаха. С 1870 года начинается новый период в деятельности М.С.Кузнецова, он покупает завод Ауэрбаха в селе Кузнецово (ныне Конаково) Тверской губернии. Там он наладил производство уникальных изделий из фаянса, майолики и фарфора – храмовых иконостасов, киотов, подсвечников и другой церковной утвари. Также началось производство малых скульптурных форм: статуэток, подсвечников, настенных панно. В 1880 году Матвей Сидоровичстроит завод на Украине в селе Буды, который работал уже с 1887 года. В 1889 году Матвей Сидорович создает «Товарищество по производству фаофорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» для удобства управления всеми заводами. В состав правления входят его сыновья, зять и все управляющие заводами. В 1892 году был основан второй завод на Украине – в г. Харькове, получивший название Славянский. В 1893 году Матвей Сидорович покупает завод Гарднеров в Вербилках, реконструирует его и совершенствует технологические процессы – успехи Гарднеров были приумножены. Таким образом, к концу 19 века Матвей Сидорович становится монополистом частного фарфора в России, а к началу 20 века он владел восемью фабриками в разных регионах России, на Украине и в Латвии.

 

Нина Михайловна, расскажите об истории возникновении фарфорового завода в местечке Чудово Новгородской губернии, где Ваш дед, Поцелуев Степан Тимофеевич, многие годы был управляющим и акционером.

Фабрика И.Е.Кузнецова в Чудово на Волхове была создана в 1898 году. Принадлежала она товариществу купца I гильдии Ивану Емельяновичу Кузнецову, сыну Емельяна Терентьевича и двоюродному брату Матвея Сидоровича. Заводы, основанные И.Е. Кузнецовым, снабжали своей продукцией население Псковской, Новгородской, С.-Петербургской губерний и районов Прибалтики.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

В 90-х годах эти заводы вошли в Товарищество братьев Кузнецовых, и работали вплоть до 1941 года. К 1900 году Волховские (северные заводы) стали центром технической и интеллектуальной культуры тех губерний. Были построены школы, церковь, создавались условия для отдыха рабочих. На заводах северных территорий внедрялись новые технологии производства фарфора, фаянса и майолики. Появлялись новые материалы: глазури, краски, методы росписи и виды рисунков. Перенимался опыт заводов Германии и Императорского завода. В конце 19 начале 20 века на заводах работали и консультировали художники, такие как С.В. Чехонин. Было поставлено не только классическое образование работников предприятий, но и приглашались специалисты по технологическим процессам производства фарфора и фаянса. С конца XIX века завод стал специализироваться на производстве дорогого фарфора. Хотя в целом кузнецовский фарфор не относился к разряду элитарных, и был доступен горожанам со средним достатком. Завод И.Е.Кузнецова имел собственные склады и магазины в Москве и Петербурге. Ежегодно за пределы Новгородской губернии вывозилось по железной дороге и водным путем до 450 пудов изделий. Торговля велась на Боровической, Вологодской, Астраханской, Ирбитской, Московской, Нижегородской, Казанской, Мензелинской, Омской, Островской, Псковской, Рижской, Ржевской, Самарской, Санкт-Петербургской, Уфимской, Юрьевской и Ярославской ярмарках.

На заводах сформировался центр технической и интеллектуальной интеллигенции, который продолжал успешно работать и в 20-е и в 30-е годы 22 века. Так среди работников фабрик в Чудово и Грузино вырос и, впоследствии, стал управляющим этих фабрик С.Т. Поцелуев, мой дед, уехавший из Гжели 12-летним мальчиком вместе с И.Е. Кузнецовым.

В 1918 году фабрики были национализированы и стали именоваться: «Коминтерн» и «Красный фарфорист», а поселок был переименован в Краснофарфоровый с присвоением ему в 1938 году официального статуса рабочего поселка.

[siteorigin_widget class=”SiteOrigin_Widget_Image_Widget”][/siteorigin_widget]

Уже после 20-х годов 20 века большие отраслевые объединения, заменившие собой фарфоровые монополии братьев М.С. Кузнецова и И.Е. Кузнецова, позволили провести сначала предварительную, а затем и более полную специализацию заводов и фабрик по выпуску фарфора, фаянса и майолики в России.Различного назначения посуда, производимая там, была качественна, недорога, популярна и широко расходилась в бывшем СССР.

Нина Михайловна, большое спасибо за интервью. Что Вы хотите пожелать нашим читателям?

 

Спасибо Вам, за то, что Вы предоставили мне возможность поделиться с читателями той информацией о гжельских заводах и заводах «Товарищества Кузнецова», которую я получила в свое время от моих дорогих родителей. В нашей семье всегда бережно хранилась память о наших предках, фотографии и документы тех лет. Вплоть до 80-х годов прошлого столетия, я оставалась владелицей небольшой бабушкиной усадьбы в селе Новохаритоново, где прошли все мои детские годы, среди предметов старины, фотографий и бабушкиных воспоминаний. К сожалению, из-за невозможности содержать усадьбу, с ней пришлось расстаться. Но остались родственники и друзья и в Гжели, и в Чудово и в Риге и осталась, конечно же, самое дорогое – наша память…

Желаю Вашей Школе процветания, творческих успехов в Вашем благом деле
приобщения людей к культуре и искусству!

 

Интервью подготовлено директором

Школы Антикварного Дела Трушиной Г.В.

Занятие в Галерее «Старые Мастера» с М.Е.Перченко

Летом 2013 года преподаватель Школы Антикварного Дела, вице-президент Междуна-­­­ родной конфедерации антикваров и арт-дилеров и президент гильдии оценщиков при Международной конфедерации антикваров и арт-дилеров Михаил Ефремович Перченко провел занятие для наших слушателей в своей галерее «Старые мастера» и познакомил со своей уникальной коллекцией западноевропейской живописи, скульптуры и предметов декоративно-прикладного искусства XIII-XVII веков.
Михаил Ефремович является владельцем самой большой в мире коллекции полихромной скульптуры и самой крупной в Восточной Европе коллекции живописи XIV-XVII веков.Он один из первых российских коллекционеров стал методично и последовательно собирать западноевропейское искусство этого времени.
Его Галерея – это целый музей уникальных произведений искусства, достойных составить конкуренцию лучшим коллекциям мира. Будучи прекрасным специалистом по антиквариату и арт-рынку, а также наиболее авторитетным коллекционером западного искусства, Михаил Ефремович рассказал о том, как складывалась его  коллекция, об особенностях хранения деревянной скульптуры и живописи на деревянной основе, показал свои лучшие приобретение, а также провел мастер-класс по атрибутированию живописи и предметов ДПИ.
По окончании занятия в своей галерее,Михаил Ефремович пригласил нас посетить галерею современного искусства «Кино», создателем и руководителем которой является его супруга Елена Ростиславовна Юренева.
Елена Ростиславовна, искусствовед и крупный специалист по современному искусству, рассказала нам о художниках, работы которых представлены в галерее. Это – Татьяна Баданина, Алексей Богданов, Владимир Наседкин, Екатерина Рожкова, Игорь Вулох, Лидия Мастеркова, Анна Тагути, Алексей Тегин, Леонид Тишков, Сергей Шутов, Катя Филиппова, Святослав Пономарев, Татьяна Чернова, Александр Пономарев, Владимир Брайнин, Владимир Титов (Франция), Иван Акимов, Сергей Максютин, Дима Алексеев, Лиана Есакия и ещё многие и многие имена.
Все представленные в галерее художники интересны и оригинальны, работают в разнообразных техниках от масляной живописи до коллажа и инсталляций и в различных стилистиках от реализма до новейших современных течений.
В момент нашего посещения в галерее шла подготовка к выставке практически неизвестного художника Макса Хаазе (настоящее имя – Михаил Михайлович Занегин (1938–2013)).
Елена Ростиславовна рассказала нам о чудесной истории открытия имени этого художника, о тайне, которая окутывает жизнь мастера и его творчество*.
По словам Елены Ростиславовны – эта выставка не последняя. Впереди в планах галереи  – новые показы его работ, новые публикации о его творчестве и расширение круга почитателей его таланта.
Для ретроспективы готовилось более 30 живописных работ, а также графика, рельефы, горельены.
Работы этого художника необычны, завораживают, притягивают, дают пищу для размышлений. Живопись, графика, объемные панно, трехмерные натюрморты. Макс Хаазе постоянно экспериментировал и со стилями, и с самими жанрами.Он жил и творил так, словно для него ничто не имело значения: ни авторитеты, ни собственная судьба. Главным был процесс вечного поиска.
Скульптурный ковер Макс Хаазе называл “горельен” – рельеф плюс гобелен. Художник придумал и термин, и саму технику – очень сложную и кропотливую. На одну работу уходило больше года. Кроме него подобных объектов не создавал никто в мире.
Макс Хаазе в своем творчестве повествует о вещах простых и значительных, о сложностях и загадках бытия, о необыкновенных поворотах судьбы, о превращениях  человеческих душ и метаморфозах плоти.
Сам Макс Хаазе называл свои картины багателями, «безделками». Однако багатели Хаазе не являются просто картинами, это – сложные объекты, в которых он применял различные техники, в том числе, приемы сюрреалистов, помещая обычные объекты в необычное окружение.
Благодаря этому художник создавал в своих картинах эффект сна или галлюцинации.
Наше замечательное и познавательное занятие закончилось чаепитием с вкусным пирогом, которое нам любезно организовали Михаил Ефремович и Елена Ростиславовна. Расположившись за круглым столом, в домашней обстановке, мы еще долго обсуждали увиденные работы, художников, проблемы реставрации, атрибуции, экспертизы и оценки предметов искусства и антиквариата, новости современного арт-рынка: ценообразование, аукционные продажи, рейтинги художников и многое-другое.
НОЧУ ДО «Школа антикварного дела» от всей души благодарит Перченко Михаила Ефремовича и Юреневу Елену Ростиславовну за возможность посещения галерей и проведение занятия!
Биографическая справка о М.Хаазе представлена по материалам сайта Галереи «Кино».
Михаил Михайлович родился в Москве в 1938 году, не получил профессионального образования, но тяготел к искусству, посещал студию Э.Белютина и брал уроки у Ю.Ряжского и Л.Танклевского. Один из галеристов, увидев его работы, сказал, что подобная живопись никому не интересна и не нужна. После такого грубого ответа, художник замкнулся в себе, и даже уничтожил несколько своих картин. Больше свои работы он никому не показывал, не выставлял и не продавал,приоткрыть тайну его жизни и творчества стало возможным только после его смерти.
Искусствоведы считали, что М.М. Занегин ушел из жизни в 1998 году, так как последняя картина, созданная мастером, датируется этим годом. На самом деле художник просто прекратил свою художественную деятельностьв 1998 году, создав миф о смерти художника.
В начале 2000-х он решил выставить несколько своих произведений, но под псевдонимом – Макс Хаазе. На этот раз его работы вызвали особый интерес у зрителей и художественных критиков, но уже тогда он был болен.
В июне 2013 года все наследие мастера переходит к его близкому другу и музе Нине Тихоновой, которая пришла к Елене Ростиславовне, показала ей работы художника и рассказала о его жизни.
В 2013 году в галерее «Кино» прошло две выставки художника (первая – в январе-феврале 2013 года, вторая как раз готовилась в момент нашего посещения). На открытии первой выставки М.М. Занегин не присутствовал, так как был тяжело болен. Вторая выставка открылась уже как дань памяти замечательному и, к сожалению, недооцененному при жизни художнику.
Автопортрет Макса Хаазе – единственная возможность представить, как выглядел художник. Нет ни одной фотографии, никаких документов.

Праздничный новогодний вечер в Галерее Игоря Метелицына

19 декабря 2013 года в «IGMGallery» (галерея Игоря Метелицына) в Ружейном переулке для наших слушателей прошел праздничный вечер, приуроченный к Новому Году.
Арт-директор русского филиала «IGMGallery» Светлана, провела экскурсию по галерее и рассказала нам историю ее создания и ее создателя.
В конце 1980 годов Игорь Метелицын эмигрировал в Америку, где познакомился с нашим выдающимся скульптором Эрнстом Неизвестным. Интересно, что по профессии Игорь Германович инженер-строитель, но он всегда испытывал огромный интерес к искусству. Метелицын стал инициатором нескольких творческих проектов Неизвестного, том числе памятника «Золотое дитя» к двухсотлетию Одессы, монумент «Изгнание и возвращение», посвященного депортации калмыцкого народа в городе Элиста. Игорь Германович придумал перевести гигантские работы скульптора в мини-формат, доступный даже не очень богатому коллекционеру– так появилась ювелирная серия из пяти предметов «Сердце Христа», которая разошлась по всему миру и стала раритетом.
Далее были проекты вместе с Михаилом Шемякиным, Рустамом Хамдамовым, Юрием Купером, Мерсадом Бербером, Дмитрием Плавинским и многими другими замечательными художниками с мировым именем.
Стоит сказать, что Игорь Метелицын один из первых принес в Россию новый вид арт-бизнеса: создал галерею и стал продавать так называемое «буржуазное» искусство.
Свою галерею в Нью-Йорке он открыл в конце 1990-х годов, через десять лет открылся ее московский филиал.
Юрий Купер «Пейзаж»
В залах галереи представлены лучшие работы современных русских художников: нежные дамы Ларисы Наумовой; холодный пейзажи Льва Межберга; лаконичная и изящная живопись и гравюра Рустама Хамдамова; серебристо-серые, графичные, наполненные меланхолией
полотна Юрия Купера; оригинальные «черепахи» и «космогонии» Дмитрия Плавинского.
Антон Кузнецов «Биржа»
Наше внимание привлекли необычные питерские пейзажи Антона Кузнецова, создающие впечатления, словно зритель смотрит на стрелку Васильевского острова через запотевшее окно, а за окном идет проливной дождь.
Ольга Миннибаева «Дама»
Замечательная работа молодой и одаренной художницы Ольги Миннибаевой «Дама» (Ян ван Эйк) – копия работы Яна ван Эйка «Портрет жены Маргарет ван Эйк» 1439 года, выполненная на винтажной столешнице. Поражает мастерство, с которым художница скопировала сложную по технике работу нидерландского живописца  и  оригинальный  подход к выбору    живописной    основы,которые позволили создать замечательное и по-своему уникальное произведение искусства.
Светлана Валуева
«Cards-2»
сериграфия
Особая «фишка» галереи Игоря Метелицына – это серии шелкографий -сериграфий лучших российских художников. Лучшие работы дорогих художников, но по достаточно доступной цене. Светлана не только рассказала, но и показала как и зачем делаются подобные копии известных работ. Для «IGMGallery» сериграфии делает одна фирма в Лос-Анджелесе, там работают потрясающие мастера шелкографии, лучшие в своем деле. Они выполняют заказы испанских и японских музеев, работают с первыми художниками мира и делают работы, которые зачастую превосходят по качеству сами оригиналы. Мастера вовлекают самого художника в процесс цветопроизводства оригинала, и художник начинает подправлять сам себя и соответственно улучшать собственное произведение.
Одна сериграфия обычно состоит из 75-100 цветовых слоев или «срезов» краски – мастера как бы сканируют картину, а потом вручную наносят каждый оттенок краски на отдельную пленку, что придает конечному результату особую рельефность. Игорь Метелицын заказал целую коллекцию сериграфий Шемякина, Хамдамова, Купера и всех, кто представлен в его галерее.
После замечательного рассказа очаровательной Светланы и осмотра полотен Галереи, наш праздничный вечер продолжился фуршетом у Новогодней елки.
Еще раз всех поздравляем с прошедшими праздниками: Новым годом и Рождеством Христовым!
В новом году мы с удовольствием продолжим всем полюбившуюся традицию отмечать праздники, получая не только гастрономическое, но и интеллектуальное удовольствие и, конечно же, самое главное – радость общения с единомышленниками!
НОЧУ ДО «Школа антикварного дела» выражает признательность и благодарит Светлану, арт-директора Галереи Игоря Метелицына за предоставленную возможность ознакомиться с замечательными работами и провести Новогодний фуршет.
 

Занятие в Пушкинском музее на выставке «Прерафаэлиты. Викторианский авангард» с Анной Познанской.

Этим летом в ГМИИ им. Пушкина прошел третий крупный совместный проект Галереи Тейт Бриттен (до этого прошла выставка Тернера, 2008г., и Уильяма Блейка, 2011г.), в рамках которого были представленыболее 80 полотен замечательных английских художников сер. XIX века – т.н. Братства прерафаэлитов. Несмотря то, что в России всегда высоко ценилось искусство прерафаэлитов –  это их первая широкомасштабная выставка в нашей стране.
Не смея пропустить столь значимое событие, мы отправились на экскурсию по экспозиции, которую для нас любезно провела Анна Познанская – куратор  выставки, старший научный сотрудник Отдела искусства стран Европы и Америки XIX- XX веков ГМИИ им.Пушкина.
Не случайно в названии выставки фигурирует слово «авангард». Но не думайте, что в экспозиции вы бы увидели стереометрические примитивы кубизма или парадоксальные сочетания форм сюрреализма и всего того, что мы привыкли подразумевать под этим термином.С полотен прерафаэлитов на нас смотрели великолепные дамы в богатых нарядах (Данте Габриель Россетти. Monna Vanna.1866г.), поэтичные герои и героини староанглийского эпоса (Уильям Моррис. Прекрасная Изольда. 1857-1858гг.), Христос, страдающий в пустыне, преисполненный «высоких дум, неизреченных, непостижимых» (Уильям Дайс. Муж скорбей. 1860г.). Во всех их работах ясно читается стремление к «верности природе», к передаче чистоты реального мира, выраженных в ярких свежих цветах и четкости форм.
Глядя на эти работы, применяемый к ним термин «авангард» режет слух. Но почему же «авангард»?
В то время, когда мир начал заметно обновляться благодаря колоссальным технологическим и социальным изменениям, стремительной индустриализацией и беспрепятственным ростом городов, наносящих ущерб природе, небольшая группа художников решила противопоставить себя этому быстроменяющемуся миру.Эти молодые художники объединились в братство, созданное по средневековому принципу ремесленного и духовного содружества, и выступили с новым художественным манифестом, желая изменить не только принципы
современного искусства, но и его роль в социальной жизни общества. Взяв за образец произведение выдающихся живописцев кватроченто, прерафаэлиты не только значительно расширили круг традиционных христианских сюжетов, но и обратились к новым темам, основанным на литературных источниках и социальной проблематике. «Использование принципиально новых методов и художественных техник и свободное владение наследием прошлых эпох, будь то живопись кватроченто, полотна Тициана, готический орнамент или японский фарфор, позволили прерафаэлитам пройти интенсивный путь развития от романтизма 1850-х годов к основополагающим стилям рубежа столетий – символизму и модерну».
Экспозиция данной выставки была разделена на шесть разделов, каждый из которых посвящен определенной теме в творчестве прерафаэлитов: «Спасение», «Образы прошлого», «Природа», «Красота», «Поэтическая живопись», и «Утопия».
За предоставленную возможность погрузиться в поэтический мир викторианского авангарда выражаем огромную благодарность ГМИИ им.Пушкина и в особенности Анне Познанской.
«[П]рекрасна Выставка, и светел нынче зал,
[Р]аботы дивные – восторг и восхищенье…
[Е]щё хочу прийти сюда, поскольку стал
[Р]афаэлитом я… (без преувеличенья)
[А]х, авангард, ты мой, далёкой той поры,
[Ф]антазий буйство и нежнейших красок вальсы,
[А] так же – плавность линий, формы и игры
[Э]пизодических божественных романсов…
[Л]ети, искусство, сквозь столетья и века
[И] погружай нас в эстетические думы!
[Т]ак на душе легко…
 
Владимир Мельников, победитель конкурса на лучший отзыв в рамках выставки «Прерафаэлиты. Викторианский авангард». ГМИИ Им.Пушкина.

Юрий Васильевич Васильев-MON (1925-1990 гг.)

Живописец, график, скульптор, художник книги, театральный художник, реставратор.
Родился 7 апреля 1925. Учился (с перерывом) в Московском художественном училище памяти 1905 года. В 1940–1942 у А.Н. Чиркова, а в 1945–1947 — на театральном факультете у В. Шестакова. В 1942 поступил в военное Иркутское авиационное училище, которое закончил через год в звании сержанта; в 1943–1945 служил в 12 Гвардейском авиаполку авиамехаником, был легко ранен. В 1947 поступил в Московский институт прикладного и декоративного искусства (МИПИДИ), после закрытия которого в 1948 перешел в Московский художественный институт им. Сурикова на живописный факультет. Окончил институт в 1953; дипломная работа «Возвращение из лагеря» экспонировалась на выставке дипломных работ в Академии Художеств. В 1954 принят в Московский Союз художников. Работал в плакатной группе.
В 1954–1956 был членом комиссии по материалам в президиуме Худфонда СССР и председателем комиссии МОХФА по художественным материалам. В 1956 Васильев организовал первую в России выставку японской цветной гравюры в залах МОСХа.
В 1990 году  последние работы Васильева —маленькая скульптурка «В покое» (мрамор) и два рисунка: «Глаз» (синий фломастер) и «Автопортрет» (синий фломастер). Умер 29 октября 1990 в московской больнице.
Выставки:
1948 – Выставка учебных дипломных работ студентов в Академии Художеств СССР.
1950 – Отчетная выставка студентов во Владимире.
1953 – Выставка Дипломных работ в Академии Художеств СССР. Выставка молодых художников в ЦДРИ.
1954 – Первая выставка молодых художников.
1955 – Вторая выставка молодых художников.
1956 -Третья выставка молодых художников.
1957 -Четвертая выставка молодых художников.
Всесоюзная выставка, посвященная 40-летию Октября.
Выставка московских художников в Манеже «Советская Россия».
Выставка произведений молодых художников к VI Всемирному фестивалю молодежи и студентов в Москве (награждендипломом).
Международная выставка «Миру — мир» (Лейпциг, ГДР).
Пятая молодежная выставка в Москве.
1959 – Международная выставка «Планета» (Брно, Чехословакия), выставка графических произведений Ю. В. Васильева в ЧССР (галерея Dum umeni, Брно).
Выставка «Советская Россия» в Манеже.
1960 – Выставка «15 лет победы над Германией».
Третья выставка эстампа.
Международная выставка «За мир» в Москве.
Выставка «Советская графика» в США и Канаде.
1961 – Выставка московских художников, посвященная XXII съезду КПСС.
Выставка «За мир и разоружение» в Академии Художеств СССР.
1962 – Однодневная выставка «Графика Юрия Васильевича Васильева» в малом зале ЦДРИ.
Выставка «30 лет МОСХа».
1965 – Однодневная выставка в Центральном Доме литераторов.
1966 – Выставка «25 лет со дня разгрома немцев под Москвой». Манеж.
1967 – Выставка на международном симпозиуме скульптуры по камню (Горжицы, Чехословакия).
Выставка «Советский спорт» во Дворце спорта.
1978 – Персональная выставка в Иокогаме (Япония).
1979 – Выставка в Париже «Год скульптуры». Участие в международном симпозиуме скульптуры в г. Вудрой (Франция).
1980 – Международная выставка «Скульптура под открытым небом» в Иокогаме (Япония).
1981 – Выставка костюмов и театральных эскизов к спектаклю «Чайка» А. П. Чехова в театре «Традиционный» в Токио (Япония).
1984 –1987 –  Отчетные двухдневные выставки художников, живущих в дачном кооперативе «Советский художник» в поселке Пески.
1988 – Выставка в Доме Художника «50 лет Пескам», посвященная творчеству трех поколений художников, живших в дачном кооперативе «Советский художник» в поселке Пески под Коломной.
1991 – Выставка «“Другое искусство” Москва. 1956–76» (ГТГ, Москва).
Всесоюзная выставка в Манеже «Советская Россия».

Искусствоведческое образование

В настоящее время происходит переход современных общеобразовательных учреждений на профильную систему обучения. Именно поэтому сейчас актуальным является вопрос о роли и месте дисциплин, которые составляют образовательную область «Искусство». В нее входит изобразительное искусство, мировая художественная культура, музыка и др. Их можно отнести к разряду искусствоведческих. Стоит отметить, что такое образование как искусствоведческое, в преподавании любой художественной дисциплины имеет большое значение. Если эти знания отсутствуют, то будет трудно даже представить себе поверхностное общение с искусством. Искусствоведческое образование помогает не только проникнуться произведениями искусства, но и быть в состоянии отличить подлинные предметы от подделок, предположить их примерную стоимость и т.д. Учение искусствоведов – это кропотливый процесс, который во многом зависит как от способности преподавателя, так и от возможностей ученика. Искусствовед, который обучался под грамотным контролем, добивается большего успеха на этом поприще.
В настоящее время выделяют три важных цели, ради которых и происходит обучение. Первое, что нужно отметить, это развитие у учащихся навыков быть читателями, зрителями и слушателями. При внимательном разглядывании различных произведений, учащийся приучается самостоятельно считывать заложенную информацию, а также ее интерпретировать, анализировать. В результате искусствовед, закончивший обучение, должен иметь формированную точку зрения.
Второй важной целью является развитие креативности ученика.
Такое образование имеет третью цель – это формирование в сознании ученика целостной картины мира.
Современные образовательные учреждения не имеют систематического комплексного подхода к преподаванию предметов областей “Искусство” с другими областями. Происходит изучение одних и тех же тем в различных классах на предметах литературы, МХК, ИЗО, музыки. Чаще всего учителя не обращаются к существующим знаниям учащихся; искусствовед, обазование которого прошло по такому принципу, оторван от общей картины. При анализе существующих программ удалось установить, что преподавание ориентировано на использование объектов культурного наследия, которые используются в качестве иллюстраций к различным темам по истории искусства. Образование для искусствоведов должно осуществляться комплексным подходом, который должен быть направлен на развитие учащегося, а также на создания условий на образование у него целостной картины мира.